1.摄影的专业知识
我不是专业的，更不是老师，我只是对此谈谈我的看法。
首先，我觉得你得有一个自己想要的方向，比如你是偏向风光摄影？还是人体摄影？还是人文摄影？还是微距摄影？还是人像摄影？还是商业摄影？还是纪实摄影？…… 摄影的分类很多，大部分摄影高手一般都是精于其中的一项或是两项，全才的很少。所以，你最好选择一项或两项你喜欢的，或者擅长的，拍出自己的风格和特色。
有了这个前提，才好进一步加强，才好谈“有目的的去拍，不瞎拍”。毕竟，各种摄影门类的要求是大不相同的。
你说是不是？ 其次，关于书籍，我想，老生常谈的也就是《纽约摄影学院教材》了。你一定听说过。
其他我看过的，雷伊里的《DSLR数码单反摄影圣经》，韩国人的《数码摄影构图》以及《数码单反摄影圣典》，我个人觉得还可以（我是指其中的一部分内容，不是全部）。毕竟现在各类摄影书籍多如牛毛，真正好的并不多。
再次，我觉得摄影学到了一定的阶段，会遇到一个瓶颈，不知道怎么突破。我的看法是，从技术和器材上可能确实没有太大的突破了。
不过可以从下面几个方面去考虑。 一是摄影的取景与构图。
其实这可能是考验美术方面的功底了。面对同样的场景，一般人的作品可能就是“到此一游”，而高手则能给人眼前一亮的感觉，赞叹之余会想：为什么我拍不出来？ 我觉得高手与普通人的区别在于：高手有自己的独特的审美观，知道什么该拍，什么不该拍，知道从哪个角度去拍。
这就是我说的取景与构图的水平。 二是想办法拍出自己的特色与风格。
我在Flickr上经常看到一些人的作品。那上面有很多高手，他们往往专精于某一个题材，拥有自己鲜明的特色，从他们的色彩和取景上就能分辨出照片出自哪位之手。
我想，与其什么都拍，不如就选择自己喜爱和拿手的，不断尝试，直到从中悟出自己的风格来。 以上只是个人愚见，仅供参考。
其他人对此可能有更好的意见，不妨博采众长。 祝你早日成为摄影高手！ ————— 补充一下： 关于人像，关于美学，当然是需要了解的。
不过我个人认为，主要是需要了解美学的色彩、光线与构图。至于人体结构，没这个必要。
关于书籍，除了之前我说的，还可以参考一下这两本： 1.《人像摄影手册（第三版）》 人民邮电出版社 2.《缔造肌肤完美质感：数码人像摄影之用光、拍摄与修饰》 人民邮电出版社 3.《婚纱摄影教程》 中国青年出版社。
2.求摄影方面的专业理论知识
逆光是一种具有艺术魅力和较强表现力的光照，它能使画面产生完全不同于我们肉眼在现场所见到的实际光线的艺术效果。它的艺术表现力主要有如下四个方面：
第一，能够增强被摄体的质感。
特别是拍摄透明或半透明的物体，如花卉、植物枝叶等，逆光为最佳光线。因为，一方面逆光照射使透光物体的色明度和饱和度都能得到提高，使顺光光照下平淡无味的透明或半透明物体呈现出美丽的光泽和较好的透明感；另一方面，使同一画面中的透光物体与不透光物体之间亮度差明显拉大，明暗相对，大大增强了画面的艺术效果。
第二，能够增强氛围的渲染性。
特别是在风光摄影中的早晨和傍晚，采用低角度、大逆光的光影造型手段，逆射的光线会勾画出红霞如染、云海蒸腾，山峦、村落、林木如墨，如果再加上薄雾、轻舟、飞鸟，相互衬托起来，在视觉和心灵上就会引发出深深的共鸣，使作品的内涵更深，意境更高，韵味更浓。
第三，能够增强视觉冲击力。
在逆光拍摄中，由于暗部比例增大，相当部分细节被阴影所掩盖，被摄体以简洁的线条或很少的受光面积突现在画面之中，这种大光比、高反差给入以强烈的视觉冲击，从而产生较强的艺术造型效果。具体地说，首先，它能使背景处于背光之下，曝光不足，使背景得到净化，从而获得突出主体的效果；其次，它能生动地勾勒出被摄体清晰的轮廓线，使主体与背景分离，突现被摄体外形起伏和线条，强化被摄体的主体感；再次，它能深入地刻画人物性格，由于整个画面受光面积小，面部与身体的大部分处于阴影之中，形成以深色为主的浓重低调画面，有助于表现人物深沉、含蓄、肃穆或忧郁的性格。同时，由于影调反差对比度较大，明暗光线布局强烈，既可使人物面部的某些欠缺借助强光加以冲淡，又可利用背光的暗影予以隐匿，以取得扬长避短之效。
第四，能够增强画面的纵深感。
特别是早晨或傍晚在逆光下拍摄，由于空气中介质状况的不同，使色彩构成发生了远近不同的变化：前景暗，背景亮；前景色彩饱和度高，背景色彩饱和度低，从而造成整个画面由远及近，色彩由淡而浓，由亮而暗，形成了微妙的空间纵深感。
3.作为摄影师应具备哪些专业知识
如果想好好学习摄影技术的话，
1、刚起步，最好还是买本最基础最全面地摄影书籍来系统的学习下，个人推荐《美国纽约摄影学院摄影教材（下册） 》 ，前期必须要把基础知识打牢。
2、有一定基础知识后，平时多拍片实践，多和摄友交流 。
3、平时多看看关于色彩学、美学等美术方面的书籍，，对摄影提高很有好处。
4、找机会多看看大师的作品，并学会从专业的角度去 欣赏与评论，也可以进行模仿，来加深对作品的理解
5、前期基础知识大概一年左右，就能自学的差不多了，，，，后面就是自己强迫自己深入的进行专题摄影（风光、人像、影楼、静物、建筑、人文、新闻 ……）训练 ，，，并决定自己未来的发展方向。
其实，现在的摄影已经没那么高深了，很大程度受到自身审美观、美学修养、社会阅历的影响
4.摄影需要具备哪些知识
一个专业的摄影师首先要有美学的基础，对构图和色彩能够熟练掌握。对于摄影艺术来说，构图和色彩是最根本的基础，如果想要摄影作品在众多的同类中脱颖而出，对构图和色彩的选择和把控是最关键的。
其次一个专业的摄影师要对摄影技术发展的历史非常熟悉。要明白摄影对于人们生产劳动和艺术生活的意义，明白什么样的摄影作品才是人们喜闻乐见的，什么样的摄影作品才能抓住人们的眼睛，什么样的摄影作品才是有深意耐人寻味的。
然后才是对摄影器材的熟练掌握。要熟悉常用的摄影器材，特别是对自己手上使用的相机要非常熟练。只有知道怎样使用相机的光圈快门组合才能得到自己想要的曝光效果，知道怎样指导被拍人物摆出符合美学要求的自然的动作姿势，知道怎样布光、置景，并且能合理使用景深和景别，这样才能得到理想的光影效果。
最后，作为一个专业的摄影师，一定要有职业操守。懂得最起码的职业道德，并且掌握相关的法律知识。一来是对被拍摄人的尊重，二来也是对自己摄影作品的保护。此外，如果能够做好摄影作品的分类整理和存档，那么会慢慢积累起丰富的历史纪录素材，这对于今后分析研究不同的历史时期人们的审美变化，以及时尚流行趋势是非常有用的。
5.学习摄影都要学些什么内容
明确目的、打好基础
记得一位著名的摄影家在谈到“什么是摄影？”时， 毫不犹豫地说：“摄影就是激情！”。从事摄影创作，拍摄一张照片，毫无疑问需要一股冲动，一份激情。摄影者首先必须自己受到感动了，然后想把这份感动传递给第三者，这既是摄影创作的契机，也是创作的原动力。从事摄影创作如同从事任何艺术创作一样，缺少激情的作品必定缺乏感染力。当然，光凭一股热情也并不就能拍出好的作品。
想必每一位摄影爱好者，包括许多摄影家在内，喜爱上摄影每一个人必定有一个原因，或是因为一张摄影的经典名作所感动；或是被某一位摄影家和他的作品所感染；或是因为一个机会接触到摄影，不觉之中迷恋上摄影；或是单纯因为全副武装的摄影师总是那么显眼a地进出于大庭广众之中，受人注目…等等。想学习摄影的初衷，是每一位摄影爱好者必须整理并珍藏好的东西。我为什么要学习摄影？通过学习，我想拍出怎样的摄影作品？在你自己的心目中，你想成为怎样的一位摄影师？更进一步，你想通过你的作品，告诉别人什么？学习摄影必须有一个十分明确的目和一股持之以恒的求索精神，切忌光凭一时的心血来潮。
也许你只是想利用业余时间， 以拍照为自娱， 并不想拍出什么惊人之作，那就另当别论了。时常会听到一些摄影爱好者叹息道，已经拍了一些年月，人力财力也投入了不少，但总是苦于跨不上一个新的台阶。要想在业余爱好的基础上，向前再跨出一步，有一个提高，不妨重新整理一下你的学习目的和方向，特别是对摄影的基础知识是否有一个牢靠的把握。如同盖大楼需要一个坚固的基础一样。
找好一个切入点
做任何事情都必须有一个“大处着眼， 小处着手”的方法过程， 学习摄影也是如此。摄影发展到今天已经有了诸多的门类和专业，当你准备学习摄影时，最好找好一个进入摄影世界的切入点，以免到时摸不清方向。学习摄影必须从基础知识开始，如照相机的基本性能和操作方法、感光材料的原理和应用等等，但除此之外，你最好选中一个更加明确的目标，譬如说，你喜欢风光摄影，还是喜欢人物摄影；你喜欢生活的、写实的，或是喜欢观念的、写意的等等。对具备初步摄影常识的爱好者来说，有意识地培养自己对摄影的某一门类的兴趣和爱好，并在学习摄影基础知识的同时，多关心、浏览和搜集与之相关的资料，譬如说相关的摄影家和作品等。这样有助于对摄影的认识和理解。著名的风光摄影大师安塞尔-亚当斯晚年在谈到如何才能拍出好的作品时曾谈到，多看好的摄影作品是学习摄影的最好方法。多搜集相关的资料，多看，多理解，多体会，在有理解的基础上再去拍摄，才会目的明确，不至于瞎走瞎拍，走不必要的弯道路。
选择一部135单镜头反光照相机
虽然摄影只有160年的短短历史，但照相机却从早期一只简单的暗箱，发展到今天大量应用了光学、机械学、精密电子、数码等最新科技的多功能、多类型的高科技产品。种类之繁多，即使是专业摄影师也往往会对一些新产品、新机型束手无策。作为一名初学者，建议只要买一部价钱适中的，能够带有手动调整焦点，调整光圈、快门的单镜头反光照相机即可。
之所以选择135单反相机，是因为单反相机通过镜头取景，因而不存在视差。虽然普及型旁轴取景相机比单反相机的价格便宜一些，但是旁轴相机的取景器和镜头是分开的，从观景窗中看到的图像和胶片所记录的图像大小有差别，存在一定的视差。这种视差在拍摄远景时不大明显，在拍摄近景时视差会大一些，从初学摄影的角度来说，这种视差不利于准确地把握取景和构图。
从单镜头反光照相机的构造图中可以看到，光线透过镜头到达反光镜后，折射到上面的对焦屏并结成影像，透过接目镜和五棱镜，我们可以在观景窗中看到外面的景物。拍摄时，当按下快门钮，反光镜便会往上弹起，软片前面的快门幕帘便同时打开，通过镜头的光线（影像）便投影到软片上使胶片感光，尔后反光镜便立即恢复原状，观景窗中再次可以看到影像。单镜头反光相机的这种构造，确定了它是完全透过镜头对焦拍摄的，它能使观景窗中所看到的影像和胶片上永远一样，它的取景范围和实际拍摄范围基本上一致，消除了旁轴平视取景照相机的视差现象，从学习摄影的角度来看，十分有利于直观地取景构图。
单镜头反光相机还有一个很大的特点就是可以交换不同规格的镜头。因为使用135单镜头反光相机的人很多，因此也是器材厂商竞争最激烈的市场，所以可供交换的镜头种类特别齐全。这样摄影爱好者可以根据自己的熟练程度，表现目的来配置不同的镜头，逐步升级，十分方便。
6.学习摄影需要什么技术
先选择数码相机可以快速入门，对相机会更加了解，在熟练掌握之后，再选择传统的相机加以练习，这样可能效果会比较好。
如果强调效果，数码相机更适合初学者；如果强调技术，还是传统的相机更好些。如果说好，胶片机自然是使用各品牌的顶级产品如NIKON F5或F6 CANON EOS-1V等，并且要装备好相应的附属设备。
数码和胶片都是同一个道理，只不过它们的感光元件不同罢了。数码好一些，这里的好=简单、易学。
攻技术，一定是机械胶片相机，并且是不带测光功能的！ 如何拍出好照片？ 拍照时可用右手拿稳相机，左手轻扶相机底部（我们要恭喜那些比较勇健，手的稳定度较高的人）。不过现在的相机越做越轻巧，而且有合 乎人体工学的设计，握好相机不算吃力，所以一定要拿稳啦！还有拍照 时，不要让配件或手指遮住镜头及闪光灯喔！另外，按快门时不用使尽吃奶的 力，以免功亏一篑。
小心对焦！ 选定主体后，将对焦窗口对准拍摄物，调整焦距。注意双眼相机预视窗 （也是对焦窗）和镜头不在同一个地方，对象较近时应该先做适当的位 移。
如果不要将拍摄物置于照片的中央，可先把镜头对准拍摄物，轻按 快门钮至一半深度并将手指固定在那个位置，再将镜头移至预订的中央位 置，然后再把快门钮按到底。 注意正确的曝光！ 注意光线是否充足。
若非要达成特殊效果，尽可能避免逆光拍照，亦即 应让光线照在拍摄物上，拍摄者要站在光线来的方向。人像摄影应使用 柔和光源，例如阴天或阴影处。
选择适当的光圈及快门速度，光圈的大 小是以数字表示，数字越大光圈越小，数字越小光圈越大，光圈越大进 入镜头的光线越多。光线不足处就要使用闪光灯，但应注意所使用闪光 灯的有效距离，一般闪光灯有效范围只有叁、四公尺。
所以如果不得已 非在背光的情形下拍摄，则请利用闪光灯或反光器把主体人物打亮一 点。 到底什么是减低红眼？ 只要你曾用闪光灯拍照，毫无疑问的一定碰过红眼，也就是人的瞳孔变 成亮红色，这是因为瞳孔的扩张所致。
在微弱的光线中，瞳孔会放大， 让光线折射进入网膜而反射回相机镜头。预防红眼的方法就是打开相机 的防红眼闪光灯。
它所提供的预闪，让瞳孔缩小，所以第二次的闪光就 不会折射进入眼球。另外，当有些光线时，瞳孔会自然缩小而降低拍到 红眼的机率。
请注意景深！ 所谓景深，就是当焦距对准某一点时，其前后都仍可清晰的范围。 光圈、镜头、及拍摄物的距离是影响景深的重要因素。
光圈越大景深越 小，光圈越小景深越大。镜头焦距越长景深越小、反之景深越大。
主体 越近，景深越小，主体越远，景深越大。很多人为了要凸显被拍物，多 半选择小的景深。
当然如果你要拍风景，我们就会建议选择大的景深。 光线的追寻 许多拍照的人并不知道光线拥有各种不同的气氛。
光线随着一天的时 间变动，随着季节、气候的变化，甚至地区环境而充满了变化。依赖这 些变化即可拍出各种不同的照片。
拍照时，只要你多观察被摄体是如何 受光线影响，便能将光线描绘出来拍出好照片。 掌握色彩的魅力 色彩影响整张照片的气氛。
在幽暗的环境中，色彩的出现带来了朝 气，让照片有了受人瞩目的焦点。不过，如果色彩运用不当，可能会造 成反效果。
例如一张照片中，强烈的对比色彩所占面积太大的话，将会分散或夺走观看者对主题的 注意力。 主题轮廓的塑造 有时候，只取主题的轮廓，影像会更具冲击力。
轮廓是我们辨认被摄 体的关键之一，当一个人或物的外表细部被移走或减到最低时，轮廓将 会更清楚。选择一个平坦的背景诸如天空，取被摄体的轮廓可以让主题 在没有干扰的状况下呈现出来。
另外，当相机靠近被摄体，可以简化复 杂的轮廓。 创造立体感 在观看某些照片时，你是否曾经有一股冲动想要去触摸照片中的人或 物？为何会造成这种反应？常常是因为拍照时，采用了倾斜的恻光，这 种光线加强了物体叁度空间的效果，让原本平面的影像有了立体感。
虽 然，这种效果听起来好像充满许多技术性，但实际上，只不过是光线如 何应用的技巧罢了。 主题质感的强调 要透过相机将一个物体外表的质感，成功的呈现在照片上，关键在于 是否能把碰触到物体的真正感觉传达出来。
想要将物体的质感传达出 来，通常是将相机靠近物体拍摄或者采用具有近拍功能的变焦镜头，不过如此一来，镜头只能容纳物体的局部。因此以物体局部质感作为拍摄主题的照片经常可见，除此 之外可加入一些与主题质感有关的趣味和资讯。
主题的发现与运用 图案的表现不但能赋予照片一种力量，同时可以表现你想传达的感 觉。只要仔细观察，你会发现许多景物都存在着图案的造形。
这些图案 可能是物体外形或色彩重复组成的，也可能是阳光穿透物体之后的光影 变化。有时候，一个平常的景物经过局部的取景，依然会产生引人注目 的图案。
记住空间感的营造 为了让照片上原本以平面呈现的影像，出现空间立体感，可以利用视 觉效果的技法达成。「直线透视法」是其中的一个方法原理为两条平行 线经过无限延伸汇聚在一个点而消失；另一种方法是「尺寸递减 法」，物体离我们越远看起来越小。
此外，「大气层透视法」也是。
7.当一名摄影师需要学会哪些专业知识
如果影楼的婚纱写真摄影师，什么都不用管，找个数码培训班学两个月就可以上岗装大师了（只针对老百姓装）.
如果是想做商业摄影，找个培训班学两个月，拿个百八十万的买设备就可以做了（拍摄普通的食品，服装，静物）.
如果是用摄影来丰富生活来玩的，建议学习一下基础的暴光和用光，颜色和构图，多看看别人的作品都交流.（不一定有培训班出来的拍的商业，但是会比他们的看着有意义）
如果是想做艺术，呵呵.
先学几年美术.再学三大构成.从平面艺术学到行为艺术，从胶片的感光原理学到数码后备.很多年学出来了，人像，新闻，广告都可以拍.可就是发现别人说自己拍的人像还没有某某影楼的某某摄影师拍的好呢.看看，这就是差距.什么叫商业？老百姓喜欢的叫商业.什么叫艺术？和商业挂上边了就是不纯洁的艺术.
拍的恶俗点，做作点，漂亮点，大家都喜欢.（很多艺术家的艺术气息都是被金钱抹杀掉的，因为要吃饭啊.）
建议：有稳定的收入，有部趁手的相机，不要盲目的比器材（无聊的），学学艺术.不要想着用照片去赚到钱（照片会没有意义），也不要想着作品被大多数的普通人认可（都认可了证明你的思想没有质的飞跃），这样就可以安心创作了.
8.有关摄影方面的知识
答；一、摄影艺术- 自1839年法国人达格瑞发明摄影技术以来，摄影逐步发展成为一门融物理、化学、美学等多学科为一体的艺术。
现代摄影艺术是指摄影家通过照相机反映客观存在、表达个体或群体思想感情的艺术形式。摄影艺术家根据其个体特有的创作思想、独有的创作激情冲动和立意构思，运用摄影造型的技术手段和艺术技巧获得被摄物的潜影，利用暗房技术主观加工制作处理，再经过艺术的手法创作出具有较强艺术性的摄影作品。
– 摄影艺术的审美特征在于其记实性与艺术性的统一。首先，摄影艺术运用科技手段能够逼真精确地将被摄对象再现出来，具有客观性、真实性，同时实景拍摄予人以一种身临其境的感觉。
其次，摄影艺术运用画面构图（取景）、光影（用光）、影调（黑白的明暗层次）与色调（色彩的对比与和谐）三种造型手段，具有丰富的思想情感表现力。- 摄影艺术有着不同的风格流派，如绘画摄影、纪实摄影、印象主义摄影、超现实主义摄影、抽象派摄影、前卫派摄影等。
这些都极大地加强和丰富了摄影艺术的表现力，使其具有广阔的外延空间。- – 二、摄影与图形- 摄影的发明是人类力图捕捉视觉形象的探索过程中产生的，而并非是为了改善设计。
自19世纪开始对摄影技术、设备和材料的深入探索，摄影首先被运用于印刷业的制版技术；19世纪末成为艺术的新媒介；20世纪又广泛运用于设计艺术之中，成为一种重要的设计语汇。- 图形作为说明性的图画形象，是一种区别于语言、文字的视觉设计形式，具有快速、准确、跨文化跨地域传播信息的重要作用。
具体说来，图形设计的过程是将抽象观念转换成具体视觉形式，然后将视觉形式表现出来的过程。图形语言强调创新性。
独特的图形语言能够准确、清晰地陈述既定主题，使概念、思想、情感等信息借助该图形媒介得以表达，并给观者以出乎意料的视觉与心灵的冲击。图形的信息承载性、创新性及语意性与摄影艺术的丰富语汇相互碰撞而彼此辉映出异彩。
– 首先，摄影的客观性使图形具有了强烈的真实感、细腻的质感和与众不同的意境美感，能够迅速渲染情境，感染观者。它最大地充实和丰富了图形的表现力，并提高了它的公众信赖度。
– 其次，是被称之为“有意味的摄影”的形式。即摄影师通过对生活细致入微的体察和发掘，调整观察的心境与视角来获取意外的效果。
如日本摄影师Isao Bando的一组名为“奇特的‘脸’”的创作，取材于平常生活却奇特得让人大吃一惊。在他的摄影作品里，纸箱、下水道井盖、树和墙等变成了一张张富于情绪变化的构成式的面孔，种种巧合和发现都令人惊叹不已。
这种“意味”的获得即在于其对图形创造概念的运用。- 此外，特技摄影和暗房中的特技制作，如利用滤色镜制作柔光、分像、特殊色彩等效果；控制快门来制造运动感或液体凝固效果；在暗房创作中制作变形、木刻、浮雕、高调等效果，都使摄影与图形的结合更趋密切。
– 随着摄影向数码化的转变，数码摄影、全息摄影、数字暗房相继产生。计算机技术亦对摄影艺术构成了巨大的影响。
它使摄影及图形的表现力大大增强，二者的表现力达到前所未有的力度，可充分发挥创作者的想象力，极大地丰富了它们的内在蕴意与外在表现能力，从而具有更大的张力。- – 三、摄影对版面设计的深化作用- 版面设计是指各种设计形式中的文字或图形展示时的具体处理样式，它将特定的视觉信息要素，根据主题表达的需要，在特定的版面上进行编辑和安排。
版面设计由图形、色彩、文字三大设计要素组成，其中最关键的是图形设计。- 首先，图形设计直接关系到上述三要素之间关系的协调性、信息的准确传递与沟通理解。
成功的图形设计甚至可在没有文字的情况下，通过视觉语言进行无声的沟通交流。其次，图形能够跨越地域限制、突破语言障碍、融合文化的差异，从而达到无声感染的艺术效果。
同时，图形比文字更形象、更具体、更直接。与文字符号相比，图形符号更具有直观性、生动性、概括性。
– 作为与图形密切结合的摄影，其在版面设计中的作用及优势是不言而喻的。在此，我们将这种经由图形的、运用于版面设计中的摄影作品称之为图片。
图片在版面设计中的作用主要表现在以下几个方面：- ① 设立版面视觉中心。在大部分以文字为主的版面中，往往是通过经由信息重组的图片的插入来实现对文字内容的概括或补充。
它类似于一个另类的标题，可对版面内容起到导读作用，同时增加了版面的亮点。- ② 对版面的情感导向。
一方面，图片的插入使得单一的版面瞬间变得图文并茂起来，使报道多角度、全方位地展开得更充分。另一方面，图片的具象形态使其较之抽象的文字更利于在短时间内形成情感倾向，因而成为版面的特殊“表情”。
因图片所具有的特殊的感染力、穿透力与震撼力，故通常能与读者产生良好的互动。- ③ 阅读的愉悦性。
版面设计中图片的使用能给读者带来愉悦的心理感受。科学研究表明，人类经由视觉获得的信息占据其总信息量的75%左右。
而视觉具有直观性，即视觉自身所具有的思维能力使其对图片较之于文字具有更多的偏好。经由图片，人们可用较小的力气获。